在串流平台以單曲為單位切割世界，演算法偏好單一聲線與可快速辨識的情緒時，創作樂團顯得慢和複雜，甚至有點不合時宜。有一段時間我常在想，樂團這件事是不是正在變成一種懷舊格式，並且甚至常常格式化自己的進步。但也正因如此，每一次真正認真對待樂團的創作比賽，都像是在測試這個時代是否仍然需要那種必須彼此傾聽與互相讓位，甚而共同承擔失誤與光榮的創作形式。在這個時代，是否仍然存在一群人，願意把創作交給彼此，而不是只滿足自己。

「2025 高流樂團興奮波」對我而言是一條被拉長的時間線，當然不只因為從初賽開始的個別理解，再經過複賽的現場試煉，最後抵達決賽的高度集中。每一個階段，都在測試「樂團」這個每人皆有不同認知的定義。

初賽：在被壓縮的世界裡，聽見尚未被修整的關係

網路初選是一個容易被高度忽略卻極其關鍵的階段，當作品被轉換成音檔，上傳到同一個平台，所有外部條件被拉平，剩下的只剩作品本身。和陳玠安、因奉一起進行初選評審時，我們其實常常停在某個很模糊卻很真實的感覺上，也就是說在技術層面的確認過後，就是各自體感和「這次我們希望看到誰的現場演出」這類的概念。這首歌，像不像是一群人真的一起活過？整首作品裡是否存在一種彼此知道「現在輪到誰說話」的默契？

樂團的早期狀態像是一種正在形成中的共同語言，不只是每個人都把話說完，再拼貼起來。已經開始彼此對話的創作關係，那種彼此靠近、互相試探的痕跡，往往清楚得無法忽視，在遠端世界裡，讓我們試著辨認真正的「一起」。

複賽：有效輸出的舞台生命力

舞台會讓所有抽象的討論瞬間變得具體，因為各種聲音來自於身體、呼吸與現場的即時反應。這一輪的評審陣容，本身就像一個跨世代、跨風格的樂團樣本。姚小民的樂團現場經驗、王立對聲音能量的直覺與自我提醒、張凱婷對結構與實驗性的敏感、Angus 陳逸年對創作及聲響自由度的理解，都讓評審席本身成為一個不斷流動的觀察點。像是一群走過不同樂團路徑的人，在辨認哪些狀態是「現在正活起來的」。我看到張凱婷聽到眼眶泛紅，看到王立頻頻點頭，看到小民像樂團們的爸爸帶著感性點出理性的技術問題，還有Angus稱讚後還能建議出更好的音樂聲響建立，我實在非常希望像這樣的事情每天都在發生。

十二組進入複賽的樂團，也各自帶著截然不同的世界觀，但在這個階段，差距開始不在於「是什麼風格？」，如何讓風格成立可能相對更重要一點。有些樂團在舞台上，會自然地留白，讓某一個樂器、某一個段落成為敘事核心，有些樂團則急於把所有想法一次丟出來，結果反而讓音樂變得擁擠。我個人覺得，樂團（或說創作本身）真正的初步成熟，往往不是來自於加法，而是懂得什麼時候減法才會讓整體更清楚，往往體現在「不急著被看見」。在複賽的現場，我可以清楚感覺到哪些樂團已經開始理解「舞台」本身也是一種創作媒介，而不只是作品的展示櫃，於是我們選了五團走進決賽，驚喜加上認同。

決賽：當創作被推到極限，選擇開始成為顯現的浮水印

決賽是最殘酷也最誠實的時刻，因為到了這個階段，每一組樂團都只有這次機會，只剩下站上台後練習與當下選擇的加總。決賽評審團的組成，讓判斷不再只停留在音樂層面。從製作、文化、產業、敘事到整體完成度，每一個角度都在同時作用。這使得決賽變成討論「誰更清楚自己未來要走到哪裡」的過程，而我們又支持什麼樣的自我理解被呈現。黃少雍的製作視角、MATZKA 的文化與節奏直覺、雷擎的聲音美學、YELLOW 黃宣的創作自由度、莊惟惞的產業與敘事思維，以及片山凉太對整體完成度的判斷，讓這場決賽不只是音樂表現的比較，而是一次關於「作品能走多遠」的集體想像。我得特別感謝遠道而來卻一口答應的片山凉太，接受邀請，並願意成為這次海外評審的代表。

進入決賽的五組樂團，各自展現了不同的創作取向。昴宿 Pleiades 在概念與結構上的完整度，讓人感覺他們正在經營一條長期的創作軌道；Optical Orca 光學虎鯨的聲音推進依然精準，展現了對能量控制的高度自覺與扎實的計算；硝子羊把情緒處理得極度透明，主唱讓脆弱本身成為一種力量；而未演先轟動的離岸流，有非常清楚的生活紋理與破釜沈舟的視角；BRBP，則在整體敘事、演奏配置與現場掌控之間，找到了某種罕見的平衡，既有主唱的突出，又能有安心的襯托。BRBP 最終成為冠軍，並不是因為他們最精準或是最多大家以為比賽應該有的得分項，而是因為他們最清楚什麼該留下，什麼該一次到位，真的非常精彩。

獎項之外，創作的價值如何被看見

最佳樂手、最佳作詞、最佳作曲，這些獎項的存在，並不是為了把樂團拆解，而是為了讓創作中不同層次的勞動被分別辨識。昴宿 Pleiades 鼓手所展現的，不是炫技，而是一種能夠讓整首歌站穩的節奏判斷，後搖有很多音牆和層疊的控制，其實整團都在非常一致的狀態中。他們的作品〈反烏托邦〉的作曲，反而是亮相同時的全力爆發，或許以比賽來說這可能是最值得反覆雕琢的核心，即使沒有主唱用歌詞和歌聲表達旋律。

而最佳作詞離岸流樂團的作品〈台北橋〉，這首歌詞意境和他們表演起來的強度，讓城市不只是背景，而是他們決心成為全新的樣子。這些獎項並不是為了切割樂團，只想讓創作的不同面向，有機會被好好命名。

為什麼是樂團？為什麼還要比賽？

樂團是一種高成本的創作選擇。它意味著時間被切割，意見需要協調，關係必須經營。它不保證效率，不保證成功。而創作型比賽的存在，從來不只是為了讓看起來充滿各面向大名鼎鼎的評審單純選出一個「最好的名字」。
我倒希望是在替這些尚未被市場完全理解的創作狀態，提供一段被認真觀看，也被完整聆聽的時間。在這個凡事講求速度與轉換率的年代，願意坐下來聽一首歌聽到結尾，本身就是一種選擇。

興奮波之後，聲音仍在不斷移動

「興奮波」是樂團與創作自由遷徙的號角聲，讓音樂開始移動的狀態。比賽結束之後，真正重要的才正要發生，這些樂團如何在沒有賽制也沒有評審的情況下，繼續寫歌、演出、或許失敗，然後再重來。連續擔任三屆評審，我這次感受特別強烈的是，這屆樂團比賽留下的不只是名次，加上一種集體確認與榮耀散發，每次在台上當結果公布的時候，我最害怕看到其他沒得獎的人散發出不認同的眼神，但今年的歡呼和掌聲，甚至我所感染到的氣氛，是所有人都為了身旁的人開心，足以讓我鬆一大口氣。

榮耀是隨機的，我始終這樣覺得。任何人不見得能完美預期自己的高光時刻落點，但來的時候，要乘勝追擊。最感謝所有人都仍然願意一起見證這些慢慢發生的未來。